Die Ufer, Meere und Himmel von Anne Packard
Die zeitgenössische Künstlerin Anne Packard hat im Laufe von sechs Jahrzehnten ihre kreative Stimme zu einer inspirierten Konvergenz von Bild und Fantasie verfeinert. Ihre destillierten Ansichten von Cape Cod fangen die Essenz von Küste, Meer und Himmel ein.
Der Künstler hat die fast angeborene Fähigkeit, mit so wenig viel zu sagen. Sie fängt gekonnt die Atmosphäre einer Szene in ihren Meereslandschaften ein, ohne sich mit Details zu verzetteln. Im Folgenden werden die Ursprünge von Anne Packard, die meisterhaften zeitgenössischen Landschaften und ihr kreativer Prozess genauer betrachtet.
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Weniger ist mehr
Der Architekt Ludwig Mies van der Rohe (1886–1969), Direktor und Lehrer am Bauhaus - der einflussreichsten Schule für moderne Kunst des 20. Jahrhunderts - lehrte, entwarf und lebte unter dem Motto „Weniger ist mehr“. Dieselbe Redewendung taucht auch in Robert auf Brownings Gedicht „The Faultless Painter“, in dem der Dichter eine Kunst vertritt, die sowohl die materielle Welt als auch die immaterielle Natur der Seele zum Ausdruck bringt.
Wenn man Provincetown, Massachusetts, in Anne Packards zeitgenössischen Gemälden erlebt, erwacht van der Rohe und Brownings Ideal zum Leben. Aber warum genau hat Packard beschlossen, ihre jenseitigen Seestücke auf diese Weise zu malen? Um wirklich zu verstehen, wie sich ihr Prozess im Laufe der Jahre entwickelt hat, wollen wir es zurückverfolgen, bis zu dem Zeitpunkt, als die Keime ihrer Kunst zum ersten Mal gepflanzt wurden.
Ein bläulicher Hintergrund
Als Kind wanderte Packard im Sommer über die Strände und Sanddünen an der Nordspitze von Cape Cod, wo ihre Großmutter mütterlicherseits, die Künstlerin Zella Bohm, lebte. Als junge Künstlerin reiste Bohm (1870–1957) nach Paris und besichtigte den Salon von 1898. Der in Amerika geborene Künstler Max Bohm (1868–1923) wurde mit der Goldmedaille ausgezeichnet.
"Sie wollte mit ihm lernen", erinnert sich Packard. "Sie trafen sich, verliebten sich und der Rest war Geschichte." Wie viele seiner Generation ging Böhm nach Europa, um seine künstlerische Ausbildung fortzusetzen. In Paris besuchte er die renommierte Académie Julian und lebte in der Kunstkolonie Étaples an der Küste der Normandie.
In Europa gefeiert, in Amerika jedoch praktisch unbekannt, kehrten die Bohms schließlich in die USA zurück, ließen sich in New York nieder und sommerten in der Kunstkolonie Provincetown. Bald verbreitete sich der künstlerische Ruf von Max Böhm. Er wurde 1920 zum Nationalen Akademiker gewählt und als einer der bedeutendsten romantischen Visionäre und Impressionisten Amerikas anerkannt.
Nur drei Jahre später wurde sein Leben durch einen Herzinfarkt vorzeitig beendet. "Obwohl ich meinen Großvater nie getroffen habe, hatte er einen enormen Einfluss auf mich", sagt Packard. „Ich bin mit seinen Gemälden aufgewachsen und sie waren schon immer eine großartige Inspirationsquelle. Das geheimnisvoll tiefe „Böhmische Blau“in seinem „Blauen Gemälde“, das in meinem Haus hängt, verzaubert mich auch jetzt noch. “
Eine umlaufende Route
Da sie sich für Kunst interessierte, schrieben Packards Eltern sie im Alter von 18 Jahren in einen Malunterricht ein. Trotz des Versprechens traf sich die Ausbilderin mit ihren Eltern und riet ihnen, ihre Tochter von einem Leben in der Kunst abzubringen, unter Berufung auf die Schwierigkeiten, ihren Lebensunterhalt zu verdienen.
Packard würde ein Jahr lang das Bard College besuchen, gefolgt von einer Sekretariatsschule. Bald darauf traf sie eine Schriftstellerin, sie heiratete und hatte fünf Kinder. Ihr Leben war der Pflege ihrer Familie und des Haushalts gewidmet.
Nach 17 Jahren Ehe verließ ihr Ehemann Packard und die Kinder. "Ich lebte in Princeton, New Jersey, und ich hatte kein Geld und kein Kindergeld", sagt Packard. „Ich fand Gelegenheitsjobs und begann, auf Holzresten Ozeanszenen zu malen. Ich ging zu Straßenmessen, zum Verkauf in der Kirche - wo immer ich konnte - und verkaufte sie für jeweils 10 oder 20 US-Dollar. “
1974 verlor Packard auf tragische Weise ihren ältesten Sohn Stephen. Am Boden zerstört fand sie Trost durch ihre Kunst und ihre Kinder. Drei Jahre nach seinem Tod entschloss sie sich, nach Provincetown zu ziehen, und die Landschaft wurde zum Thema ihrer ätherischen Gemälde.
Von Zäunen und Nachbarn
Packard mietete ein Cottage am Meer und begann, ihre Bilder an ein Brett zu hängen, das an ihrem Zaun befestigt war, um die Blicke der Passanten auf sich zu ziehen. "Ich habe die Bilder für ein Lied verkauft, aber es hat uns unterstützt", erinnert sich Packard. Sie begann auch mit dem Maler Philip Malicoat (1908–1981) zu studieren, der Schüler von Henry Hensche (1899–1992) und Edwin Dickinson (1891–1978) gewesen war.
„Ich habe viel von Phil gelernt, insbesondere über die Bedeutung und den Nutzen von Werten“, sagt sie. "Er hat mich enorm ermutigt und beeinflusst, aber es hat ihm nicht gefallen, dass ich meine Bilder an einen Zaun gehängt und sie preiswert verkauft habe."
Packard fügt hinzu: „Schließlich gab er mir ein Ultimatum:‚ Hör auf, meine Muse zu missbrauchen ', sonst würde er mich nicht weiter unterrichten. Ich fragte ihn, wie ich meinen Lebensunterhalt verdienen könne, und er schlug vor, ich könnte eine Kellnerin sein, und enthüllte, dass er als Fischer für seine Kunst arbeitete. Ich habe nicht auf ihn gehört. Wir sind getrennte Wege gegangen. “
Kleine Bilder, große Belohnung
Eines Tages kam ein Mann vorbei und kaufte einige ihrer kleineren Gemälde. Kurze Zeit später kehrte er zurück und kaufte etwas mehr. "Ich habe endlich jemanden gefragt, wer dieser neugierige Herr ist, und war erstaunt festzustellen, dass er der abstrakte Expressionist Robert Motherwell ist", erklärt Packard. "Er lebte nur drei Häuser weiter und wir wurden Freunde."
Motherwell besuchte Packard oft. Und er kauft häufig mehr von ihren Gemälden - insgesamt über 20 -, was, wie Packard bemerkte, ihr Selbstvertrauen stärkte.
"Er würde meine Bilder mit denen von großen Landschaftsmalern vergleichen", sagt Packard. "Meine Tochter Cynthia, die zu der Zeit in der Kunstschule war, hörte hinter der Tür zu, damit sie mir später erklären konnte, worüber und über wen er sprach."
Sie fährt fort: „Einmal sagte er mir, er könne mich nach New York bringen und mich‚ sehr groß 'machen. Hier war ich, eine Frau Mitte 40 mit all diesen armen Kindern, die spottbillige Bilder verkaufte. Dann fügte er hinzu, dass er nicht dachte, dass es mich glücklich machen würde und dass er es nicht tun würde, und das war es. “
In den folgenden Jahrzehnten erwies sich Packards angeborenes Talent und harte Arbeit beim täglichen Malen als fruchtbar. „Je mehr ich malte, desto ernsthafter wurde mir das Malen“, sagt der Künstler. „Es fing als Handwerk an, etwas, was Spaß macht und für das ich Geld verdienen konnte. Niemals in meinen wildesten Träumen hätte ich gedacht, dass ich das erreichen würde, was ich habe. “
Das geistige Auge
Packard ist äußerst produktiv und beschreibt ihren überwältigenden Drang zu kreieren. „Es geht darum, etwas zu suchen und zu sagen, deine eigene Stimme zu entdecken“, erklärt sie. „Es kommt aus der Tiefe. Für mich geht es um die Ruhe der Einsamkeit, nicht um Einsamkeit, sondern um die Zufriedenheit, die entsteht, wenn man wirklich mit sich selbst und Ihren Gedanken, Erinnerungen und Tagträumen allein ist. “
Die Künstlerin geht morgens gerne mit ihrem Skizzenbuch spazieren. „Dann kehre ich von den Skizzen an die Arbeit im Studio zurück, aber meistens von meinem geistigen Auge aus“, fügt sie hinzu. „Ich ändere ständig Dinge in meinen Gemälden. Sie befinden sich wie die Natur in ständiger Veränderung und Verfeinerung. Ich arbeite an vier oder fünf Gemälden gleichzeitig, damit ich mich ausruhen kann, wenn ich überlege, was sie brauchen. “
Materialien und Prozess
In ihrem Atelier im Obergeschoss mit Blick auf die Bucht kreiert Packard ihre Kunstwerke bei Tageslicht mit unzähligen Farbschichten. Die Ölfarbe von Old Holland ist ihre erste Wahl, weil sie die Konsistenz und Lebendigkeit der Farben liebt.
Sie verwendet eine Reihe von Primärfarben, zusammen mit gelbem Ocker, Orange, Saftgrün und Titanweiß. Eine weitere Farbe, ohne die Packard freilich nicht leben kann, ist das Grau von Winsor & Newton's Payne.
Selbst wenn sie großformatig arbeitet, sei es auf Leinwand, Leinen, Masonite oder Papier, verlässt sie sich auf eine kleine Palette von 10 mal 12 Zoll. Sie verwendet Terpentin, um die Farbmischungen zu verdünnen, und gießt gelegentlich Turp über frisch gestrichene Bereiche. Dabei dreht und manövriert sie die Leinwand, um hauchdünne Effekte zu erzielen. Da sich ihre Bilder oft über längere Zeiträume entwickeln, trägt sie gegen Ende einen Retuschelack auf, um abgestumpfte Farben wieder zu beleben.
Ihre Philosophie bei Pinseln ist es, die größtmögliche Menge zu verwenden, um die anstehende Arbeit zu erledigen. Darüber hinaus hat Packard festgestellt, dass ihre Finger und Handflächen ein unschätzbares Hilfsmittel sind, um Farbe während des kreativen Prozesses zu bewegen und Kanten weich zu machen.
Die Essenz malen
Packard beginnt ein Bild oft mit einer Imprimatur von Orange. "Ich liebe es, gegen eine warme Farbe zu malen - wie John Constable", sagt sie. „Es hilft mir, diese schöne Atmosphäre zu schaffen. Obwohl du es vielleicht nicht immer siehst, gibt es immer eine Erinnerung an diese Orange. “
Das große Gemälde Serenity zeigt die optischen Effekte, die sie durch die Verwendung der Imprimatura mit semitransparenten Schichten erzielt, die jeweils geschickt von Hand und mit sehr reaktionsfreudiger Pinselführung aufgetragen werden. Das Gemälde erreicht leuchtende Atmosphärenqualitäten und ein grenzenloses Gefühl von Tiefe.
In White Dory verdeckt ein tiefer Nebel den Horizont und erzeugt eine tiefe Tiefe, die der Nähe des Bootes entgegenwirkt. Wie gegnerische Kräfte erzeugen sie einen dynamischen Push / Pull-Effekt über die gesamte Leinwand. Es ist ein Stück, das Packards Können als Maler des Rätsels offenbart.
Auf den ersten Blick ist es ein einfaches, schönes Bild, fest in der Realität verankert. Aber je mehr man hinschaut, desto trügerischer wird die Realität. Die Signatur von Packards Bildern wirkt und regt die Fantasie, Erinnerungen und Träume des Betrachters an. Das Motiv eines Packard-Gemäldes verschiebt sich so sicher wie Sanddünen.
Flüchtige, atmosphärische Effekte werden in Evening Mist und Foggy Wharf eingefangen. "Ich halte all diese Momente und Bilder im Auge", erklärt Packard. „Ich kann Dinge nach Belieben ändern. Ich möchte nicht genau das malen, was ich sehe. Ich möchte die Essenz dessen malen, was da ist. “
Ein starkes Fundament
Gute Komposition ist ein Leitprinzip in Packards Prozess. In Ansicht von Bradford geben wir die Komposition unten rechts ein. Dann lenkt Packard unsere Aufmerksamkeit nach links und führt uns durch den labyrinthischen Raum, bevor wir auf den Häusern mit den roten Dächern zur Ruhe kommen, über denen sich das Meer zurückzieht, während der Himmel vorwärts schreitet.
„Ich habe mit dem Haupthaus mit dem roten Dach begonnen und die Komposition von dort aus ausgearbeitet“, sagt Packard. „Die Komposition wird instinktiv, aber nur, wenn Sie viel Erfahrung haben. Ich habe diesen Bereich schon oft gemalt. “
Packards malerisch und visuell prägnantes Beach House zeigt ihre Zen-ähnliche Fähigkeit, Themen und Ideen schnell und ohne Anzeichen von Überarbeitung auszudrücken. "Ich benutze das Wort" fertig "nicht gern, um zu beschreiben, wann ein Bild fertig ist", sagt sie. „Das hört sich so an, als würde ich Möbel fertig stellen oder mich mit Details beschäftigen.
Sie denkt, ein Gemälde sei „vollständig“, wenn es sich „richtig, wahr und vollständig“anfühlt. Ich habe gesagt, was ich sagen wollte, und ich wollte es einfach nicht mehr berühren. “In ähnlicher Weise drückt das Gemälde Cape Beach Packards charakteristische Frische und Unmittelbarkeit aus.
Zwischen Realität und Imaginiertem
Packards Gemälde zu betrachten, bedeutet, natürliche Elemente als Kräfte zu erleben, die gekünstelt und ins Gleichgewicht gebracht werden. Es gibt ein immer feineres Gleichgewicht zwischen Realität und Vorgestelltem.
Immaterielle Eigenschaften wie Zeit, Erinnerung und Träume schweben frei, sind jedoch an einen bestimmten Ort und Moment gebunden. Ihr atemberaubender und mysteriöser Blauer Abend ist eine angemessene Anspielung auf das Blaue Gemälde ihres Großvaters. In diesem Kunstwerk nutzt sie eine Figur-Grund-Beziehung, um ihre ausdrucksstarke Beleuchtung weiter voranzutreiben.
„Ich male gerne Dinge, die für sich alleine, einsam und friedlich sind“, erklärt Packard. „Boote sind für mich wie Menschen - Freunde, die ihre eigene Persönlichkeit haben - und dieses Blau ist nicht nur eine Wand aus Blau. Ich habe Schicht für Schicht Kobalt, Zerulan und Ockergelb aufgetragen, bis ich diese Tiefe erreicht habe. “
Der Künstler fährt fort: „Ich möchte immer, dass der Betrachter in meine Malfläche eindringen kann, als wäre es die Luft selbst, eine Patina der Zeit, die Erinnerungen weckt oder Träume transportiert. Ich versuche immer, diese Weite zwischen den Atemzügen auszudrücken. Ich bin immer noch auf der Suche und möchte mit so viel weniger so viel mehr erreichen. “
Dieser Artikel über Anne Packard erschien erstmals im Artists Magazine und wurde von Robert K. Carsten verfasst. Wenn Carsten keine Workshops im In- und Ausland unterrichtet, verbringt er seine Zeit damit, die Landschaft in der Nähe seines Hauses in Vermont zu malen. Mehr über Carsten erfahren Sie auf seiner Website.
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