Wir waren traurig zu erfahren, dass die Künstlerin Dawn Clements, deren große, kumulative Stilllebenarbeiten die Freude des Alltags einfingen, vor kurzem im Alter von 60 Jahren verstarb. Laut dem Nachruf von Neil Genzlinger für die New York Times: „Dawn Clements, deren komplizierte Zeichnungen und Aquarelle detaillierte Szenen aus ihrem eigenen Leben und aus Filmmelodramen, oft im Panorama-Maßstab, festhielten, starben am 4. Dezember in einem Hospiz in der Bronx… Ms. Clements Zeichnungen - meist in Sumi-Tinte oder Kugelschreiber - und In ihren Gemälden wurden oft mehrere Blätter zerknittertes Papier verwendet, die zu großen, unregelmäßigen Formen zusammengenäht waren, die im Gegensatz zur technischen Präzision ihrer Hand standen. “
Clements wurde in einem Artikel von John A. Parks in der April-Ausgabe 2018 von Watercolor Artist vorgestellt. Clements kämpfte zum Zeitpunkt des Interviews gegen Krebs und ging auf ihre Krankheit und deren Auswirkungen auf ihre Arbeit ein. Wir widmen den Artikel, der hier erneut veröffentlicht wurde, Dawns Erinnerung.
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Ein kumulativer Effekt
Dawn Clements zeichnet und malt ihre Umgebung und bewegt sich mit einem intensiven Auge und einer sicheren Hand über Tage und Wochen von einem Standpunkt zum nächsten. Die Arbeiten werden nicht nur als Beobachtungen, sondern auch physisch kumulativ, da die Künstlerin Blätter hinzufügt, um jeden neuen Bereich ihres Themas einzubeziehen. Allmählich werden sie zu sehr großen Stücken, einige mehr als 20 Fuß lang.
Gefaltet, gestresst von der Handhabung und oft weit entfernt von echten Rechtecken zeugt Clements 'fertige Arbeit von einer langen körperlichen Auseinandersetzung mit der Welt. Dieses Unternehmen wird zwangsläufig autobiografisch, nicht nur als Beweis dafür, dass man sich an einem bestimmten Ort aufhält, sondern auch, mit welchen Objekten die Künstlerin lebt.
Angesichts schwerwiegender gesundheitlicher Probleme hat Clements kürzlich beschlossen, Beweise für ihre laufenden Behandlungen in Form von Medikamentenverpackungen aufzunehmen. Ein Werk, das die sich verändernde, vergängliche Natur der Wahrnehmung aufgreift, hat sich nun zu einer Meditation über die Sterblichkeit ausgeweitet.
Die schiere Lebendigkeit und Intensität der Arbeit ist keineswegs negativ, sondern bestätigt die Freude des Künstlers, sich mit der Welt auseinanderzusetzen, auch wenn einige der Themen eine neue Schärfe annehmen.
AUS DEM PAPIER
Clements begann in den frühen neunziger Jahren in ihrer jetzigen Art zu arbeiten, als sie Stillleben zeichnete und auf Reisen war. „Ich war in einem Hotelzimmer in Italien und habe ein Telefonkabel gezogen“, erinnert sie sich. „Ich hatte die Zeichnung nicht sehr gut geplant und das Bild passte nicht auf das Papier. Ich war enttäuscht, bis mir klar wurde, dass ich mich wirklich nicht auf das Rechteck des Papiers beschränken musste - dass ich Stücke hinzufügen konnte, um das Bild zu erweitern.
„Als ich mir erlaubte, mehr Papier aufzukleben, wurde mir klar, dass ich aus kleineren Modulen große Zeichnungen machen konnte. Sobald der Rahmen des Rechtecks geändert wurde, konnte ich mir vorstellen, skulpturaler zu zeichnen, dass eine Zeichnung kein ‚Fenster 'sein muss, sondern sich als das Objekt präsentieren kann, das sie ist.“
Clements entdeckte weiter, dass sie nicht immer mehr flacher werden musste; Wenn es zu lang wurde, um es zu schaffen, konnte sie es einfach falten, was es ihr ermöglichte, Zeichnungen in einem viel größeren Maßstab anzufertigen.
„Manchmal werden meine Zeichnungen beim Falten und Kleben zerrissen oder abgenutzt oder verärgert“, sagt sie, „aber dann flicke und repariere ich sie. All dies ist Teil meines Prozesses. “
EIN VERSCHIEBENDER BLICKPUNKT
Der Prozess von Clements führt unweigerlich zu Bildern, die etwas gebrochen sind. Sie beinhalten verschiedene Disjunktionen, wenn die Arbeit eines Tages der nächsten hinzugefügt wird. In gewisser Weise spiegelt die Arbeit die Art und Weise wider, wie wir eine umfassende und kontinuierliche Welt aus einem Flickenteppich wechselnder Sichtweisen und sensorischer Eingaben betrachten. Die Zeichnungen bieten jedoch auch eine weitaus detailliertere Einschätzung des visuellen Reichtums einer Umgebung, als wir normalerweise annehmen würden.
Clements arbeitet nahe an jedem Objekt und verbringt viel Zeit damit, es zu beobachten, bevor er zum nächsten übergeht. Sie akzeptiert, dass ihr Prozess bedeutet, dass sie während einer Arbeit auf einen vollständigen, zusammenhängenden Perspektivraum verzichtet. Während einzelne Objekte oder kleine Gruppierungen möglicherweise eine „richtige“Perspektive haben, kann die gesamte Arbeit viele verschiedene Sichtweisen einbeziehen, während sie eine gewisse Flachheit annimmt.
„Ich verändere nicht nur meinen Blickwinkel“, sagt der Künstler, „sondern ich zeichne möglicherweise zu verschiedenen Tageszeiten. Dies kann zu mehreren Schatten oder Schatten führen, die nicht mit einer einzigen Lichtquelle übereinstimmen. “Clements frühere Arbeit umfasste eine Vielzahl von Medien, aber in den letzten Jahren hat sie begonnen, sich intensiv mit Aquarell zu beschäftigen.
„Vor 2012 habe ich hauptsächlich mit Tinte und Gouache gearbeitet“, sagt sie, „manchmal mit Kugelschreiber, manchmal mit Sumi-Tinte und Pinsel, manchmal mit Gouache. Leute beschreiben meine Arbeit oft als "Zeichnen". Obwohl ich oft male, gibt es etwas in meinem Prozess, das die Leute glauben lässt, meine Arbeit zeichne. Es macht mir nichts aus, wie die Leute es nennen. Für mich ist es Arbeit. “
Zu einem bestimmten Zeitpunkt entschied sich Clements für die Verwendung von Aquarell, da dies mit ihrem Prozesssinn als Zeichnerin in Einklang stand. „Wenn ich mit Tinte arbeite, verwende ich normalerweise kein Wasser oder Weiß“, sagt sie. „Dies macht das Löschen unmöglich. Das soll nicht heißen, dass Marken nicht geändert werden können. Wenn ich wirklich nicht mit einer Marke leben kann, schneide ich sie aus und klebe ein neues Stück sauberes Papier ein. Trotzdem versuche ich die meiste Zeit, mit den so genannten Fehlern zu leben, die ich mache, und gehe einfach weiter, indem ich akzeptiere, dass dies Teil der Erfahrung ist, die Arbeit zu machen - und letztendlich zu sehen.
„Als ich mich entschied, mit Gouache zu arbeiten“, fährt sie fort, „hatte es etwas mit der Verwendung zu tun, das sich wie Malen anfühlte. Was war es? Wie sich herausstellte, war die Farbe Weiß in der Palette vorhanden. Sobald Weiß verfügbar war, waren Korrekturen und Löschungen möglich. Auch das Bauen einer Form hatte mehr Potenzial, traditioneller malerisch zu sein. Normalerweise arbeiten Ölmaler von dunkel bis hell. Obwohl Gouache ein wasserbasiertes Medium ist, kann es undurchsichtig sein, sodass Korrekturen problemlos durchgeführt werden können. “
Eines Tages - Clements weiß nicht mehr warum - entschied sie sich für Aquarell statt Gouache, und es fühlte sich sehr anders an. "Obwohl es Farbe war, fühlte es sich an, als würde ich wieder zeichnen", sagt sie. „Mir ist aufgefallen, dass ich in Aquarellfarben kein Deckweiß verwendet habe und dass die Farben immer durchscheinend waren. Irgendwie konnte ich meine "Fehler" nie verbergen. Das fühlte sich wieder nach Zeichnen an. Der Betrachter hatte Zugang zu meiner Suche und meinem Kampf.
"Ich finde es toll, wie Aquarell eine Änderung der Meinung oder eine Verschiebung der Position, eine überlegte und umgeleitete Richtung erkennen lässt."
KLEIN BEGINNEN
Die Art und Weise, wie Clements eine Zeichnung durch einen Akkretionsprozess erstellt, führt dazu, dass das Papier häufig einer erheblichen Bearbeitung unterzogen wird - und dass die spätere Arbeit einen sehr großen Umfang erreichen kann. Dies sind Eigenschaften, die sowohl zur Art und Kraft der Arbeit beitragen, als auch Herausforderungen in Bezug auf die Langlebigkeit darstellen.
Die fertigen Werke werden ungerahmt über die Wände einer Galerie ausgestellt und sind Unfällen ausgesetzt. "Ich mache mir Sorgen um die Langlebigkeit meiner Arbeit, aber ich glaube, ich bin mehr an der Suche selbst interessiert", sagt Clements. „Ich mache oft große Arbeiten auf kleinem Raum, zum Beispiel eine große Zeichnung meines Küchentischs.“
Zu diesem Zweck kann sie klein anfangen, im weiteren Verlauf Papier mit Klebstoff hinzufügen und das Papier dann falten, um der Reichweite gerecht zu werden. Clements arbeitet fast immer auf einer ebenen Fläche parallel zum Boden, z. B. auf einem Tisch, und arbeitet fast nie an der Wand. "Das hält mich nah an den Gegenständen, die ich zeichne, und bringt mich direkt an den Küchentisch", sagt sie. „Ich hoffe, dass das Werk, obwohl es sehr groß werden kann, niemals‚ monumental 'ist."
Clements ist bestrebt, Intimität in ihrer Arbeit zu vermitteln, auch wenn es sich um ein großes Format handelt. „Ich möchte, dass die Arbeit mein Leben und das, was ich sehe, widerspiegelt - sowohl die Liebe als auch die Unordnung“, sagt sie. "Vielleicht ist die Not, die mit der Arbeit passiert, ein Teil davon."
EIN NEUER ZUSTAND
Während Clements 'Arbeit die Orte, in denen sie gelebt und gearbeitet hat, immer etwas autobiografisch festhielt, hat sie eine neue Bedeutung erhalten, da die Künstlerin vor ernsten gesundheitlichen Herausforderungen stand.
„Im April 2016 wurde bei mir Brustkrebs im Frühstadium diagnostiziert“, sagt Clement. „Es war verheerend, aber nach meinem Verständnis könnten Operation, Chemotherapie und Strahlentherapie den Krebs sehr gut von meinem Körper befreien. Leider hat mein Krebs nicht auf die Behandlung angesprochen. Ende Oktober 2016 wurde mir mitgeteilt, dass es sich auf andere Körperteile ausgebreitet hat und dass ich an metastasierendem Krebs im fortgeschrittenen Stadium [Stadium IV] leide. Es gab keine Rolle für die Operation, und meine Prognose war sehr ernst. Das war ein schrecklicher Schock für mich. “
Am Tag nach Erhalt dieser Nachricht reiste Clements für einen geplanten zweimonatigen Aufenthalt an der American Academy nach Rom. „Mein Onkologe versicherte mir, dass ich in Rom die gleiche medizinische Behandlung erhalten könne, und ermutigte mich, zu gehen“, sagt der Künstler. „Ein Onkologe in Rom hat mit mir in New York kommuniziert, damit ich eine Behandlung beginnen kann. Es war eine ziemlich verrückte Zeit, in der ich mich an einen neuen Ort und ein anderes Gesundheitssystem gewöhnt habe, als ich versuchte, mein Gehirn mit der Schwerkraft meines neuen Zustands zu verbinden.
„Wie Sie sich vorstellen können, war dies eine sehr verwirrende Zeit für mich. Aber da war ich an diesem außergewöhnlichen Ort mit einem prächtigen Atelier in einer Gemeinschaft vollendeter und brillanter Künstler und Gelehrter. Es war eine sehr seltsame Zeit, in vielerlei Hinsicht traumhaft “, sagt sie.
TAG FÜR TAG
Bemerkenswert ist, dass Clements ein sehr großes Aquarell anfertigte. „Für mein Rom-Projekt [Drei Tische in Rom, unten] wollte ich mit einigen Ideen experimentieren, die damit zu tun haben, ob unterschiedliche Definitions- oder Auflösungsebenen in einem einzigen Werk erfolgreich koexistieren können oder nicht“, sagt sie. „Dazu habe ich einige Regeln für mich selbst erstellt. Ich beschloss, das, was ich beobachtete, auf mehrere Tischplatten zu zeichnen. Anstatt an einer Position zu bleiben, bewegte ich mich am Rand des Tisches entlang, um immer in der Nähe der beobachteten Objekte zu sein, und interpretierte sie so, wie eine Video- oder Filmkamera sich langsam fortbewegt und einen Raum abtastet."
Clements begann jeden Tag damit, ein Stück Papier von einer großen Rolle abzuschneiden und eine Größe zu wählen, die sie an diesem Tag zu füllen glaubte. „Zum Beispiel hatte ich am ersten Tag vor, einen Tannenzweig zu malen, also war das Papier ungefähr so groß wie der Tannenzweig, nicht viel größer“, sagt sie. „Am zweiten Tag habe ich ein weiteres kleines Stück Papier geschnitten und es links von der Arbeit des ersten Tages angebracht.“Dann malte sie einen Olivenzweig darauf. "An jedem folgenden Tag würde ich gerade genug Papier für diesen Tag hinzufügen", sagt sie, "und so wuchs die Arbeit [schließlich 22 Fuß in der Breite]."
Clements fügte ihrem Prozess eine weitere Regel hinzu; Sie schwor sich, nie mehr zur Arbeit des Vortages zurückzukehren. Sie würde sich nur vorwärts bewegen. „Ich könnte jedes Papierformat oder jede Papierform hinzufügen, die ich mir gewünscht habe, und die fertige Arbeit könnte jede Größe oder Form haben, die ich mir innerhalb der Grenzen der acht Wochen des Aufenthalts gewünscht habe. Ich war nur durch die Zeit begrenzt, nicht durch die Größe “, sagt sie.
Clements selbst auferlegte Regeln erlaubten ihr tatsächlich zu verstehen, wie unterschiedliche Auflösungsebenen innerhalb eines einzigen Werks funktionieren könnten. „Normalerweise hätte ich am Bild eines Objekts gearbeitet, bis ich das Gefühl hatte, dass es vollständig ist, oft mit einem ziemlich hohen Definitionsgrad“, sagt sie. „Manchmal dauerte das Stunden, sogar Tage. In meinen früheren Arbeiten haben mich bestimmte zeitliche und physische Veränderungen oft daran gehindert, ein Bild so aufzulösen, wie ich es beabsichtigt hatte.
„Zum Beispiel würde eine Blume ihre Blütenblätter verwelken oder fallen lassen; eine Hyazinthe würde blühen; ein Stück Obst würde allmählich verfallen; oder eine Residenz würde zu Ende gehen. Ich habe immer versucht, auf diese Veränderungen zu reagieren und sie in die Arbeit einzubeziehen. Die Auswirkungen von Zeitablauf und physischen Veränderungen wirkten sich auf die Art und Weise aus, wie ich meine Arbeit komponierte und auflöste. Anstatt meine Umgebung zu kontrollieren, versuchte ich, mit ihr zusammenzuarbeiten.
"Aber in Rom habe ich noch strengere Parameter geschaffen, um die Rolle der Natur für Veränderung, Wachstum, Verfall und Zeit zu berücksichtigen", sagt Clements. „Meiner Meinung nach hat diese erzwungene zeitliche Beschränkung den verschiedenen Arten von Auflösungen einen Sinn gegeben.“Zusammen mit dem notleidenden Papier und den Falten wurden die Auflösungsebenen ein wesentlicher Bestandteil des Prozesses.
PERSÖNLICHES EPHEM
Bei der Verfolgung dieses konzentrierten und nachdenklichen Projekts erkennt die Künstlerin an, dass das gesamte Unternehmen durch ihren physischen und emotionalen Zustand erschwert wurde, als sie sich mit ihrem Gesundheitszustand auseinandersetzte.
"Mein neues Behandlungsschema, das ich in Italien verwalten musste und das ich meine Gefühle über den Fortschritt meiner Krankheit und Sterblichkeit zu erfassen versuchte, war schwierig", erinnert sie sich. „Und die Arbeit selbst war für mich anspruchsvoll und aufregend. Es hat viel Aufmerksamkeit gekostet. “
Als sie über die Tischplatten ging und sie malte, fügte Clements Gegenstände wie Früchte, Papierfetzen und andere Dinge hinzu, denen sie in ihrem täglichen Leben begegnete. „In den letzten Wochen, in denen ich an diesem Stück gearbeitet habe, habe ich immer wieder Chemotherapiepillen genommen und die Schachtel untersucht und die gebrauchten Blisterpackungen der Pillen, die ich konsumiert hatte, aufbewahrt. Ich wollte sie in die Arbeit einbeziehen, habe es aber nicht sofort getan. “
Sie fragte sich, ob ihre Anwesenheit die Arbeit überwältigen und eine Erzählung schaffen würde, die zu stark und vielleicht sogar zu sentimental war. Aber letztendlich entschied sie sich, die große Kiste mit Medikamenten (Xeloda) und die leeren Blisterpackungen einzuschließen.
"In gewisser Weise wurde es ein Kalender, eine Art, Tage zu zählen", sagt Clements. „Und ich habe gerade entschieden, dass es für mich unehrlich wäre, diese Gegenstände, die zu einem so wesentlichen Bestandteil meines Lebens geworden waren, nicht einzubeziehen. Sie wurden so bedeutend und gewöhnlich wie alle Gegenstände auf dem Tisch.
"Aber natürlich", fährt sie fort, "ist der Text auf der Pillendose sehr gut lesbar, und der Text in einer visuellen Arbeit kann ein Schwerpunktbereich sein. Die Leute sehen es und lesen es. Es hat das Potenzial, eine Erzählung voranzutreiben und zu betonen. “
Die letzte Erzählung von Three Tables in Rom ist jedoch viel umfassender als die Geschichte einer Krankheit. In das Bild sind Früchte, Laub und eine Vielzahl italienischer Verpackungen mit farbenfroher, stilvoller Schrift eingearbeitet. Zu einer Lampe und einem Telefon gesellt sich die abgenutzte Holzmaserung einer Tischplatte und ein Blick durch ein Fenster auf Rasen und Licht.
Das Leben setzt sich in all seinen Aspekten des Wachstums und Verfalls fort. Anspruchsvolle elektronische Artefakte finden ihren Platz neben natürlichen Formen; ein gewisser Geschmack für Vergnügen und Leichtigkeit bewohnt das Stück. Der ganze Reichtum des Lebens ist hier. Wenn einige seiner Aspekte notwendigerweise dunkler sind als andere, gelingt es dem Künstler, das Ganze mit beträchtlichem Vergnügen und Freude zu betrachten.
Ein Quadratmeter Rasen
Eines der ungewöhnlichsten Aquarelle von Clement - Gras - stellt eine kleine Rasenfläche dar, die direkt von oben betrachtet wird und in der jeder Gras- und Wildblumenhalm mit einem fast obsessiven Auge untersucht wird.
„Ich beschreibe es oft als eine Art Einsteigen“, sagt Clements und bezieht sich auf einen Zustand intensiver Beobachtung. Sie erkennt die vielen Details an und weist darauf hin, dass bei einigen Themen Details unvermeidlich sind.
"Wenn wir ein Interieur einer verzierten Kirche zeichnen, können wir als obsessiv gelten, wenn wir alle Details zeichnen", sagt sie, "aber wirklich, das ist das Thema." Clements sagt ihr Interesse an einer winzigen Zeichnung eines Abschnitts von Der Rasen wurde von bestimmten Werken von Fra Angelico (Italiener; 1395-1455) beeinflusst, in denen neben Figuren auch mit verschiedenen Blumen bedeckte Rasenabschnitte zu sehen sind.
"Ich war beeindruckt von der Erkenntnis, wie sehr europäische Rasenflächen dem Rasen von Fra Angelico ähneln und dass die Rasenflächen von Fra Angelico möglicherweise aus einer beobachteten Erfahrung seiner Umwelt stammen", sagt sie. „Weil Fra Angelicos Bilder so ätherisch sind, habe ich sie mir nie als solche dieser Welt vorgestellt. Dass ich diesen Rasen von Fra Angelico vor meiner Studiotür in Umbrien gesehen habe, hat mich beeindruckt. Schon das morgendliche Zeichnen machte es zu einem eher meditativen als zwanghaften Fokus. “
Um den Rasen zu streichen, beschloss Clements, dass sie während ihres sechswöchigen Aufenthalts in Umbrien jeden Tag nur eine Stunde damit verbringen würde, einen Abschnitt von etwa einem Quadratfuß Rasen zu streichen. Sie tat dies an 23 aufeinanderfolgenden Tagen. „Mich hat interessiert, dass immer mehr Rasen wächst“, sagt sie. „Manchmal ist es sogar innerhalb von 24 Stunden schwierig, meinen Platz wiederzufinden.
"Ich bin kein Botaniker und ein schrecklicher Gärtner, aber es war faszinierend, diese Zeit nur mit einem Quadratmeter Rasen zu verbringen."
Über Dawn Clements
Dawn Clements (gestorben 2018) wuchs in Chelmsford, Massachusetts, auf, wo ihr Vater Künstler war. Einige ihrer frühesten Erinnerungen zeichneten mit ihm in seinem Studio. Im College studierte sie Film, bevor sie schließlich eine Karriere in der Kunst antrat. „Ich kenne mich mit Musik aus und habe Einfluss auf meine Arbeit. Ich habe mich überlegt, wie wir uns bewegen und wie wir uns in unserem Leben fortlaufend bewegen und wie wir unsere Erfahrungen interpretieren und präsentieren“, sagte sie. „Beobachten war für mich genaues Hinsehen, aber auch Zuhören und Berühren. Ich lernte Gesichtspunkte zu schätzen, die sich bewegen und verändern. “
Clements 'Arbeiten wurden über viele Jahre hinweg ausgestellt, unter anderem auf der Whitney Biennale 2010. Sie sind auch in den ständigen Sammlungen des Museum of Modern Art enthalten. das Whitney Museum of American Art; Das Tang Museum in Saratoga Springs, NY; Die Sammlung Deutsche Bank; Die Saatchi-Sammlung in London; Die Henry Art Gallery; der University of Washington in Seattle, Washington; und Colecção Madeira Corporate Services in Portugal.
