Die Winterlandschaften des kanadischen Malers Simon Andrew zeigen einen einzigartigen kreativen Prozess und eine einzigartige Vision
Der aus der Grafschaft Cornwall im Südwesten Englands stammende Ölmaler und Meister der Wintermalerei wuchs in einer Künstlerfamilie auf. "Sowohl mein Vater als auch mein Stiefvater besuchten die Slade School of Fine Art des University College London", sagt er. "Mein Stiefvater wurde von dem großartigen abstrakten Landschafts- und Stilllebenmaler Ben Nicholson unter die Fittiche des bekannten kornischen Landschaftsmalers Peter Lanyon gestellt, und mein Vater", erinnert sich Andrew, der sein eigenes Studium an der Queen's University in Kanada begann. Wissenschaft zu studieren. Bald jedoch beschloss Andrew, sich mit bildender Kunst zu befassen und seinen familiären Spuren zu folgen.
"Eines der Dinge, die schwierig waren, war es, meinen eigenen Weg zu finden", gibt er zu. „Ich wollte nicht, dass meine Arbeit nur ein Klon von dem ist, mit dem ich aufgewachsen bin. Ich hatte jedoch großes Glück und studierte sieben Jahre an der Queen's University und der Newcastle University in England, was mir besonders gut gefallen hat. Ich fand die unterschiedlichen Denkweisen der Schüler und ihre unterschiedlichen Herangehensweisen an die Kunst faszinierend. Es war befreiend für mich und ich konnte auf eine Weise arbeiten, die mich interessierte. Ich war schon immer fasziniert von der Landschaft als Thema und wie sie auf unterschiedliche Weise bearbeitet werden kann. “
ÄNDERUNG DER LANDSCHAFT
Andrew hat Kanada besucht, seit er 10 Jahre alt war und lebt jetzt in Kingston, Ontario. Vor fünf Jahren entwarfen er und seine Partnerin, die Künstlerin Erika Olson, zusammen mit ihrem Architekten das 2.500 Quadratmeter große Studio des Paares. Vorwiegend durch warmes Halogenlicht beleuchtet, schafft Andrew hier viele seiner großen und kleinen Winterbilder und -landschaften, die häufig gleichzeitig an mehreren Gemälden arbeiten. "Manchmal mache ich eine kurze Skizze, und das geht sehr schnell und macht Spaß, aber es kommt nicht sehr oft vor", sagt Andrew.
„Andere Bilder können viel Zeit in Anspruch nehmen und sind ein Kampf, aber wenn ich sie endlich zum Arbeiten bringe - um etwas zu bedeuten -, ist das ein ganz anderes Gefühl der Leistung, nicht ein unmittelbares. Es ist eher so, als ob Sie einen Marathon laufen und das Gefühl haben, wirklich etwas getan zu haben.
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„Als ich zum ersten Mal nach Kanada kam, machte ich viele kanadische Landschaften, die für viele Leute ziemlich englisch wirkten“, erinnert sich Andrew. „Ich denke, wo du aufgewachsen bist, ist als Künstler sehr prägend, und ich stellte fest, dass es lange dauert, bis eine neue Landschaft in deinen Knochen versinkt, sozusagen, um durch dich hindurchzufiltern und Werden Sie Teil Ihrer visuellen Erfahrung, um sich in Ihren Gemälden organisch zu entfalten. “
DESTILLIERENDE SCHÖNHEIT
Obwohl Andrew in Kanada und bei seinen Besuchen in England Landschaften im Freien malt, schafft er auch außergewöhnliche Winterbilder (und Landschaften, die andere Teile des Jahres visuell beschreiben) im Studio, indem er das verwendet, was er als "Destillationsprozess" bezeichnet.
Er erklärt: „Wenn ich zu einem Ort gehe und ins Studio zurückkomme und aus meiner Erinnerung an diese Szene male, erinnere ich mich nur an das, was mir wirklich wichtig war, und vergesse all die kleinen, unbedeutenden Details. Ich konzentriere mich nur auf das, was mir wichtig ist. Dieser Prozess des Vertrauens in die Erinnerung - von vor kurzem oder vor langer Zeit - dient dazu, die Bilderfahrung auf das zu beschränken, was ich interessant fand. Überflüssige Kleinigkeiten werden vergessen und ergeben das, was für mich beim Betrachten der Szene besonders relevant war.
„Etwas anderes, das mir immer sehr wichtig ist“, fährt Andrew fort, „ist die Farbe selbst und all die Dinge, die sie sagen und tun kann. Für mich dreht sich alles um Farbe. Ich sage oft: "Ich hänge die Farbe an die Landschaft." Was ich meine ist, dass Farbe an einer Idee der Landschaft hängt und dabei eine Landschaft schafft. Ich habe es immer geliebt zu sehen, wie ein Gemälde entstand. Als ich jung war, besuchte meine Familie Museen auf der ganzen Welt, und was mich immer faszinierte, war, wie manche Künstler ihre Pinselstriche dazu bringen konnten, so viel zu sagen. Was wie ein flippiger kleiner Pinselstrich wirkt, wird zu etwas, das so viele Informationen vermittelt und für den Rest des Gemäldes wirklich relevant ist. “
Andrew nennt Corot, Turner und Rembrandt als Künstler, deren Gemälde diese Eigenschaften veranschaulichen. „Mir geht es so oft in erster Linie um die Physikalität der Farbe - was sie tut und wie sie funktioniert, um eine Art Realität zu schaffen“, sagt er. „In anderen Fällen handelt mein Bild jedoch eher von einem Prozess der Aufzeichnung direkter Beobachtungen. Manchmal, wenn ich draußen male, suggeriert die Landschaft interessante Farbbeziehungen. Die Natur ist so faszinierend zu beobachten, weil es so zufällig ist. Wenn ich zuhause bin und nicht von der Natur aus arbeite, versuche ich immer, die Dinge so abwechslungsreich zu gestalten, dass sie real erscheinen. Egal auf welche Art und Weise ich arbeite, ich habe immer ein zutiefst interessantes Gespräch mit Farbe. “
DER SPLENDOR DES SCHNEES
Ähnlich wie die Gruppe der Sieben Maler, die kanadische schneebedeckte Felder, Wälder und eisbedeckte Seen als wichtige Inspirationsquellen empfanden, finden Andrew die eisigen Wasserwege und Schneedecken der nördlichen Winter ein stark inspirierendes Motiv für seine eigenen Winterbilder.
Vom rosa Himmel, der sich auf dem zugefrorenen See spiegelt, sagt der Künstler: „Es ähnelt sehr der Art von Landschaft, die ich sehe, wenn ich über eine kleine Wasserstraße des Ontariosees schaue.“Er schuf das Gemälde auf baltischem Birkensperrholz, wobei er zuerst die Platte mit einem Mantel vorbereitete von Liquin, und dann weitermalen ziemlich dick, um die Maserung des Sperrholzes zu verdecken.
Während Andrew hauptsächlich große Pinsel verwendet, trägt er manchmal Farbe mit einem Spachtel oder seinen Fingern auf, um die Textur zu variieren. Er kratzt auch Farbe weg, um die Oberfläche interessanter zu machen.
"Als Maler habe ich eine kurze Aufmerksamkeitsspanne", sagt Andrew. „Ich möchte Kunst, die mich begeistert, also mache ich alles, was ein Gemälde braucht. In Pink Sky Reflected on Frozen Lake war ich besonders an der Rezession von Farbe und Raum interessiert und daran, wie ich diesen warmen rosa Himmel am Horizont von den kühleren Grüns im Vordergrund in den Weltraum zurücklehnen konnte. “
Währenddessen rücken in Hecken und Feldern mit orangem Himmel die Vordergrundschwarzen benachbarte Mischungen von Graugrün vor, verankern sie im Vordergrund und schieben ihre Formen von der relativ gesättigten Orange am Himmel nach vorne. Weiße in der Mitte betonen bestimmte Ebenen in der Landschaft.
Die starke Verwendung von Schwarz und Weiß ist auch in Andrews visuell starker nächtlicher Schneelandschaft zu sehen. Er beschreibt, wie er die herrliche Viskosität von Farbe auf den schneebedeckten Feldern erreicht. „Ich drücke oft viel Farbe aus der Tube direkt auf die Leinwand und bewege sie dann mit einem Pinsel oder Messer“, sagt er. "Ich male mit einem 'schmutzigen' Pinsel in das Weiß, um Farbvariationen zu erzielen."
EIN ABSTRAKTER INKLING
Einige der Landschaften des Künstlers, wie beispielsweise Night Fall, rücken näher an die Abstraktion heran. Hier trägt Andrew Farbe mit intuitiver Kontrolle und bewundernswerter Freiheit auf. Mit seiner nietenden Ausdruckskraft erinnert das Gemälde an die Schönheit und das Drama eines abendlichen Sturms. Ein weiteres ausdrucksstarkes Werk ist Late Snowfall, dessen schnell bezeichnete Formen mit kräftigen Pinselstrichen bemalt sind.
„Die Natur ist nicht perfekt, wenn alles vorhanden ist“, erklärt Andrew. „Es ist unordentlich und chaotisch. Wenn ich das in Farbe mache, lässt es manchmal ein Gemälde realer erscheinen. Dementsprechend finde ich es wichtig, das Markieren in einem Gemälde interessant zu halten. Es ist faszinierend, wie die Schaffung von Abwechslung in Bereichen mit dicker und dünner Farbe und die Verwendung eines Pinsels in einem Gemälde so viel Sinn ergeben kann. “
Andrew mag es nicht, alles für den Betrachter darzulegen oder alles im Detail zu beschreiben. "Ich denke, das nimmt von der Erfahrung", sagt er. „Ich bevorzuge Gemälde, bei denen der Betrachter sich überlegen kann, worum es bei einem Gemälde geht, und all diese Striche und Schnipsel betrachten und sich fragen, was sie sind. Dann wächst das Bild mit dem Betrachter. Alles gesagt und getan, wie beim Lesen zwischen den Zeilen, ist der Abstand zwischen den Pinselstrichen so wichtig. “
Über Reflexion
Andrews Kunst aus Vergangenheit und Gegenwart bleibt über Jahrzehnte hinweg frisch, aufschlussreich und überraschend für den Betrachter. Er variiert, verändert und entwickelt sich in seiner Herangehensweise, seinem Stil und seiner Thematik weiter. Über sein Bedürfnis, Kunst interessant zu halten, sagt Andrew: „Meiner Meinung nach ist das Erstaunliche daran, ein Künstler zu sein, dass man den Akt des Kunstschaffens niemals in eine Schublade stecken kann. Es ändert sich immer. Sie können etwas sagen, indem Sie über ein Thema malen und jahrelang so arbeiten. Später könnten Sie auf völlig entgegengesetzte Weise denken und malen. Vielleicht enthüllen Bilder im Nachhinein mehr und machen mehr Sinn als zum Zeitpunkt ihrer Entstehung.
„Wie ein Feedback-System oder ein Blick in einen Spiegel hilft mir das Malen zu erklären, wer ich für mich selbst bin“, fährt Andrew fort. „Indem ich mich an meine Erfahrungen, Gefühle und Gedanken erinnere und Bilder mache, die diese Realität widerspiegeln, kann ich beim Malen besser erkennen, was es heißt, Mensch zu sein. Beim Malen geht es für mich nicht um Beständigkeit. Es geht um die Wahrheit und darum, ehrlich zu sein, wer ich bin und wie ich mich im Moment fühle. “
EIN LIEBLINGSWINTERBILD, WIEDERAUFBAUT
Andrew war immer neugierig und bezog sich auf Claude Monets Winterbild The Magpie, das er mit seiner eigenen zeitgenössischen Vision rekonstruierte.
Materialien
Farben: Eine moderne Entsprechung einer Matisse-Palette von Ölfarben, einschließlich Cadmiumrot, Dunkel- und Hellrot, Alizarinrot, Chinacridonrot, Cadmiumgelb, Cadmiumzitronengelb, Phthalogrün, Phthaloblau, Ceruleanblau, Kobaltblau, Ultramarin Blau, Dioxazinviolett, Lampenschwarz, Titanweiß
Pinsel: Verschiedene Kunst- und preiswerte Bastelpinsel, Hauspinsel, Luco-Rundpinsel
Medien: Liquin, Standöl, Alkydmedium, Leinöl, kaltes Wachs (gelegentlich mit Farbe gemischt, um ein mattes Aussehen zu erzielen)
Oberflächen: Hartfaserplatte, Birkensperrholz, gespannte Leinwand
„Ich habe mich gefragt, wie es wäre, wenn man neben Monet aus einem etwas anderen Blickwinkel malen würde oder wie es zu einer anderen Tageszeit ausgesehen hätte und der Vogel weggeflogen wäre“, sagt der Künstler.
„Ich dachte, ich würde versuchen, sein Gemälde auseinanderzunehmen und es zu rekonstruieren. Obwohl meine im Vergleich zu seiner sehr lückenhaft aussieht, habe ich bei der Erstellung meines Gemäldes festgestellt, dass der Schnee viel Farbe hat. Es ist jedoch wichtig, dass es nicht überfärbt aussieht. Ich habe viel Straight-out-of-the-Tube-Weiß verwendet. Im Gegensatz zu den Impressionisten glaube ich, dass reines Weiß und reines Schwarz, die irgendwo in einem Gemälde verwendet werden, alles zur Geltung bringen und den Dynamikbereich erweitern. “