Bestaunen Sie mehr als zwei Dutzend inspirierende Acrylbilder
Wenn Sie über eine Erfolgsgeschichte mit modernen Kunstmedien sprechen möchten, sollten Sie nicht weiter schauen als bis zum nächsten Pinsel, der mit Acrylfarbe gefüllt ist. Es war das Medium, das von berühmten Künstlern des 20. Jahrhunderts wie Andy Warhol und Mark Rothko ausgewählt wurde. Es hat Tausende (und Zählende!) Zeitgenössischer Künstler auf den Weg zu Spitzenleistungen gebracht.
AcrylicWorks 6: Creative Energy, ein Buch, das sich sehen lassen kann, zeigt diese herausragende Leistung mit den Sieger-Acrylbildern des neuesten AcrylicWorks-Kunstwettbewerbs.
Genießen Sie 25 Acrylbilder von 25 Top-Künstlern, deren Arbeiten sich auf Themen und Stil beziehen, aber durchweg „Best-in-Show“-Power liefern.
Und wenn Sie Acryl lieben und nur Dutzende inspirierender Werke durchblättern möchten oder wenn Sie ein Acrylmaler sind, der Ihre Fähigkeiten weiter verbessern möchte, warten diese Kunstressourcen und Inspirationen auf Sie: AcrylicWorks 5.
# 1 Loslassen von Randy L. Honerlah
Man sieht, was einem in den Sinn kommt… Eine Abstraktion von Bäumen, die nach dem Himmel greifen und ihre Blätter freigeben, oder ein mutiges Erwachen, um aufzublicken, tief zu atmen und Ihr Bewusstsein zu erweitern. Wir können aus der Natur der Bäume lernen, ohne Rücksicht auf die Hindernisse des Lebens auf dem Boden zu bleiben.
Das Wertespiel heller und dunkler Farben hilft, diese Konzepte abzubilden. Die Aufteilung der Formen, angrenzenden Farben und Werte in dieser Arbeit enthüllt diese Ideen und hält sie frisch und erhebend.
# 2 Laternen bis April M. Rimpo
Was auf den ersten Blick schwarz zu sein scheint, sind wirklich Schichten von Purpur, Phthaloblau und anderen dunklen Pigmenten, um die dunkelsten Bereiche allmählich aufzubauen. Die helleren Grautöne wurden auch mit Cobalt Blue, Quinacridone Coral und Quinacridone Gold gemischt.
Rimpo kreiert ihre eigenen Grautöne und Schwarztöne, indem sie Farben mischt. Das Ergebnis ist viel reicher als die Verwendung von Röhrenschwarzen oder -grauen.
# 3 Fancy Feathers von Cher Anderson
Fancy Feathers war das Ergebnis stundenlanger Wartezeiten, um den perfekten Moment festzuhalten, in dem der Flamingo seinen Flügel öffnete und das Wertespektrum von hellem, zartem Rosa bis tiefem Schwarz und jeder Farbe dazwischen anzeigte. Sein gebogener Kopf und sein dunkles Putzen des Schnabels verursachten einen dramatischen Effekt und zeigten eine selten zu sehende Schönheit.
Das Malen mit Acryl erlaubt die Freiheit, sehr dünne Farbschichten aufzutragen und langsam Form und Gestalt für einen sanften Übergang von hell nach dunkel zu bilden. Es verleiht der Farbe auch Opazität und Intensität, die erforderlich sind, um das Motiv realistisch zum Leben zu erwecken.
# 4 Bill von Michael Wagner
In den Hauttönen der meisten Porträts steckt viel Farbe und Textur. Wagner findet, wenn er es locker aufträgt, erscheint es realistischer und üppiger.
Er malte Bill mit einer ganzen Reihe von Farbwerten und verwendete Textur und Farbe, um eine fotorealistische Ausstrahlung zu erzielen. Das Detail, das sich in den Falten und Merkmalen abzeichnet, interessierte den Künstler.
# 5 Künstliche Natur von Jingyi Wang
Für Wang repräsentieren Kakteen alle Lebewesen in der Natur. Durch die starken und unabhängigen Eigenschaften, die die Kakteen repräsentieren, hofft der Künstler, den Einfluss des menschlichen Handelns auf die Natur zum Ausdruck zu bringen. Der geworfene Schatten im Hintergrund ist eigentlich ein separates Bild und stellt dar, dass der Kaktus in einer unrealistischen, unnatürlichen Umgebung wächst.
# 6 Mellow Yellow # 1 von Scott Ramsay
High-Key-Wert ist sehr wichtig für die Stimmung dieses Stückes. Noch bevor das Bild ins Auge gefasst wurde, entschied sich Ramsay für dominante, leuchtend gelbe Werte.
Der Künstler wollte den Betrachter mit warmen, einladenden Gelbtönen anlocken. Umgekehrt verwendete er Neutral, um die Schattenwerte zu kühlen und die Details hervorzuheben.
# 7 Schmetterlingseffekt von Yelena York
Der Schmetterlingseffekt wird freihändig von der eigenen Vorstellungskraft des Künstlers erzeugt. Jedes Muster wurde während des Prozesses entwickelt. Vor Beginn des Stücks wurde nichts skizziert.
Die Arbeit erfolgt mit Acrylfarben, die manchmal mit verschiedenen Medien gemischt werden, um lebendige und durchscheinende Effekte auf den Flügeln zu erzielen.
# 8 Utility Pole von Jim Martinez
Martinez wollte ein wenig Humor einbauen und dem Thema ein elektrisches Gefühl verleihen. Die Verwendung von kühnen Werten war entscheidend, da sie die Aufmerksamkeit auf ein Objekt lenken, das nicht als ästhetisch ansprechend gestaltet wurde. Wenn es jedoch durch ein anderes Objektiv betrachtet wird, wird es ziemlich interessant.
# 9 Crystal Blue Persuasion von Deborah B. Leonard
Ein teilweise gefrorener Bach war Leonard's Inspiration für diese Arbeit. Der unterschiedliche Gehalt an Eiskristallen, Schnee und dunkel fließendem Wasser musste erfasst werden.
Sie verwendete mehrere verschiedene Pinsel, um die Kombination aus sich schnell bewegenden und teilweise statischen Bereichen zu konstruieren. Die unterschiedlichen Blautöne - von tiefem bis fast reinem Weiß - vermitteln die Kälte. Die wärmeren Töne nicken den verfallenden Blättern und Kiefernnadeln an den flachen Ufern zu.
# 10 Wood 1 von Ellen Fuller
Dieses Gemälde ist Teil einer Serie, an der Fuller gerade arbeitet. Es basierte auf Fotografien, die sie von Holzbarrikaden im Canyonlands National Park in Utah gemacht hatte.
Die Künstlerin entschied sich, nur schwarz-weiße Acrylfarbe zu verwenden, da sie der Ansicht war, dass Farbe die dramatische Wirkung der nuancierten Holzoberflächen schwächen könnte. Indem sie Farbe wegnahm, konnte sie sich auf die winzigen Details, die Komposition und die Pinselstriche konzentrieren, wodurch sie die faszinierenden Texturen der Rinde vollständig verstand.
# 11 Oaxaca Series # 5 von Robert Merrill Sweeny
Sweenys Oaxaca-Serie ist das Produkt einer Gruppe von Fotografien, die aufgenommen wurden, als der Künstler im Urlaub in Oaxaca, Mexiko, war. Er hatte schon immer ein Faible für die Druckkunst, die in Oaxaca so beliebt ist, dass sie in Form von Grafiken auf die Straße strömt.
In diesem Stück wurde Sweeny in Kombination mit den wunderbaren tiefen Schatten, die das gewellte Papier und die abblätternde Farbe werfen, von den satten Schwarztönen des Plakats angezogen.
# 12 Frances (Portrait Series # 5) von Katia Zhukova
Der Künstler arbeitet mit Heavy Body Acryl. Die schnelle Trocknung von Acryl ist perfekt für ihre Technik, bei der viele schnell strukturierte Schichten mit Spachteln und Pinseln aufgetragen werden.
# 13 Unbekannt von Marney-Rose Edge
Textur ist das Fundament der Arbeit. Edge verwendete Formmasse im Nestbereich und Clear Tar Gel träufelte über die Leinwand, bevor die Farbe aufgetragen wurde. Gold- und Silberfolie sind im Hintergrund zwischen den Farbschichten verstreut.
Der Künstler verwendete schweres Acryl für die Bedeckung, dann floss er Acryl für das ätherische Gefühl im Hintergrund und Acrylfarben zum Glasieren der Eier.
# 14 Der Morgen nach dem Schneesturm von Ray Hassard
Als verbindendes Element hat der Künstler eine leuchtend orangefarbene Untermalung - die Ergänzung des Blaus - aufgebracht. Sie können eine Menge davon an der Garagenwand sehen, aber es späht überall hindurch. Hassard verwendete überwiegend Heavy-Body-Acryl ohne Füllstoffe oder andere Medien.
# 15 Evening Snowfall in England von Dale G. Wolf
Ein verschneiter Abend fällt leise auf eine „konzeptionelle“englische Stadt. Die Stimmung bestimmt die Werte des Gemäldes: Gedämpfte Töne auf den Dächern, die vom sich sammelnden Schnee - orange, grün und gelb - unter dem grau-blauen Himmel kühn hervorgehoben werden, kurz bevor die Nacht hereinbricht.
# 16 Harbour Alliance von Jerry Smith
Obwohl Smith verschiedene Werkzeuge, Texturen und Detaillierungsmerkmale verwendet, hat er festgestellt, dass kein Detail einen schwachen Wertplan überwinden kann. Er beginnt mit großen Formen, arbeitet in Ebenen und fügt im weiteren Verlauf Texturen und Details hinzu.
Neben normalen Acrylpinseln verwendet er häufig verschiedene Schabewerkzeuge, Stempelobjekte, Pappe, einen Ritmo-Kohlestift und Riggerpinsel für Stricharbeiten.
# 17 Storm von Yael Maimon
Die dramatische Stimmung der Szene, voller Energie und Aufregung, wurde durch Thema, Farbe und Wert bestimmt. Der Künstler manipulierte den Tonwertumfang von hellen, mittleren und dunklen Werten, um eine maximale Wirkung zu erzielen.
Die Verwendung von kühnen Werten, scharfen Kanten und starken Kontrasten trug zum Gefühl von Gewalt, Wut und Gefahr (des aufkommenden Sturms) im Bild bei und erzeugte insgesamt ein kraftvolles und dynamisches Gefühl.
# 18 Sacramento River # 3 von Timothy Mulligan
Zu wissen, dass Licht alle Farben eines Prismas enthält und dass das Auge nur die Farbe sieht, die von einem Objekt nicht absorbiert wird, macht es für Mulligan nur Sinn, dass Objekte bunter sind, als man erwarten könnte. Oder dass das Auge dazu trainiert werden kann, mehr Farben wahrzunehmen.
Schatten sind hervorragende Beispiele dafür, wo subtile, aber komplexe Farbstrukturen gefunden werden können. Nach diesen Grundsätzen fügt der Künstler häufig farbige Linien ein, um Objekte innerhalb eines Gemäldes zu trennen und die Tiefe darzustellen.
# 19 Keep Moving Forward von Darien Bogart
Die Vermittlung der Werte einer hellen Mittagssonne ist ebenso herausfordernd wie das Wandern. Durch die Anwendung der Werkzeuge für Kontrast, Form und Textur kann Bogart die Integrität und die raue Schönheit dieses Raums zum Ausdruck bringen.
Keep Moving Forward wird nicht nur zum Mantra für die Navigation im Freien, sondern auch zu Bogarts künstlerischer Reise.
# 20 Frozen Ford Fairlane von Fred Schollmeyer
Der Künstler verwendet schwere, mit Wasser verdünnte Körperfarben. Ein Großteil der Farbe wurde mit einer Iwata Custom Micron Airbrush aufgetragen. Der Himmel, die Baumgrenze und der Schnee wurden mit einer Freihand-Airbrush gemalt.
Als Schablonenmaterial für die Lackierung des Automobils wurde eine Glasfaserfolie verwendet. Einige Details wurden mit einem kleinen konventionellen Pinsel gemalt und Schollmeyer verwendet eine Palette von 15 Farben, um seine Acrylbilder zu erstellen.
# 21 Gießen Pfefferminze von Angela Bandurka
Werte sind der Grundstein eines jeden Gemäldes. Für nasse oder glänzende Gegenstände sind gute Werte unerlässlich! Bandurka begann mit einer Skizze, um das Design des Stücks anhand von drei Werten zu planen: Schwarz, Grau und Weiß.
Diese Schatten und Lichter sind wichtige Elemente für das Design, und um sie richtig zu machen, muss man vom Leben aus arbeiten, da das Auge viel mehr Wertstufen als die Kamera sehen kann.
# 22 Le Rouge und Le Noir (Diptychon) von Lilianne Milgrom
Milgrom bemüht sich sehr, dass die Silhouette einer Komposition so eindrucksvoll ist wie die Umsetzung des Themas selbst in ihren Acrylbildern.
Ihr Diptychon Le Rouge et le Noir hebt die ansprechende Küstenlinie dieser jungen Frauenprofile und ihre hochgezogenen Chignons hervor. Es konzentriert sich auch auf die Nuancen des menschlichen Gesichts und seine subtilen Tonwertverschiebungen.
# 23 Shop 11 Shipfitters von Ron Craig
Sonnenlicht strömt durch schmutzige Fenster und erweckt den sonst düsteren Raum zum Leben. Es weckt die Neugier des Künstlers auf die Geschichten, die sich in den 100 Jahren der ununterbrochenen Nutzung des Ladens abgespielt haben.
Um den Maßstab, das Licht und den Schatten der Fabrik einzufangen, musste der Künstler das gesamte Spektrum des Farbtons abdecken. Alle Farben waren alters- und farblich abgestimmt. Um sie zusammenzubringen, mischte Craig Farbe bis zum Rand des Schlamms. Die Architektur erforderte nicht nur eine genaue Betrachtung der Fluchtpunkte, sondern auch eine subtile Abstufung der Farben, um Höhe und Tiefe zu suggerieren.
# 24 Mädchen auf der Couch von Diana Madaras
Als Madaras die Hälfte dieses Gemäldes hinter sich hatte, fand sie, dass es zu eng war, und „vermasselte“es. Das Endergebnis war eine Kombination aus Abstraktion und Realismus, die zu einer viel aufregenderen Komposition führte.
# 25 Jack of Diamonds von Kenneth Hershenson
Hershenson verwendet ganz einfache Bilder mit kühnen Werten, um in seinen Acrylbildern Hyperrealismus hervorzurufen. Er entschied sich für eine Beleuchtung, die starke Schatten erzeugt, um Objekten Tiefe und das Gefühl zu verleihen, dass der Betrachter die Objekte direkt von der Leinwand greifen kann.
Der lebhafte Unterschied zwischen dem einfachen tiefroten Hintergrund und den glänzenden Gegenständen lässt den Bube und die Diamanten platzen. Das Zusammenspiel von herausragenden Werten in der Konstruktion der Diamanten und der Buchsen ergibt eine fast flüssige Klarheit.