Watermedia-Gemälde, die Sie lieben werden
Gibt es eine bessere Möglichkeit, um nicht nur 25 Jahre Veröffentlichung, sondern auch 25 Jahre bemerkenswerter Wassermedien-Gemälde zu feiern, seit dieses Jahr (2018) ein bedeutendes Jubiläum für den Aquarellkünstler jährt sich?
Von Aquarellgemälden berühmter Künstler und geliebter Ausbilder bis hin zu Werken von Malern, die zum Zeitpunkt der Veröffentlichung auf dem Höhepunkt ihrer Karriere standen, sind hier 25 Wassermediengemälde von 25 talentierten Künstlern. Lassen Sie sich inspirieren, schnappen Sie sich Ihren Pinsel und beginnen Sie zu malen.
Wenn Sie Ihre Liebe zum Aquarell mit Geschick und Know-how fördern möchten, sollten Sie den wesentlichen Workshop des Aquarellisten: Farbe und Wert in Betracht ziehen.
Und genießen Sie diese kostenlose Aquarellstunde mit dem Malen der Farben der Nacht, um den Unterricht zu beginnen!
1. Bideford von Frank Webb
Wenn Frank Webb vor Ort arbeitet, gestaltet er die Landschaft neu und kombiniert das, was er sieht, mit den Eigenschaften, die er für wichtig hält.
„Im Allgemeinen verwende ich intensive Farben, die völlig willkürlich sind und keinen Bezug zur lokalen Farbe haben“, bemerkt Webb. „Aber für mich sind die Formen das wichtigste Element. Gute Formen müssen geschaffen werden. Sie können nicht kopiert werden. “
2. Oktober Russet von Tony Couch
Um Herbstlaub zu malen, wie es in October Russet zu sehen ist, klebt Tony Couch an einer Reihe warmer Farben - von Rot bis Gelb / Grün. Um seine Farben hell zu halten, platziert er Komplementärfarben nebeneinander auf dem Papier. Aber Couch mischt die Komplemente nicht, was zu einem matten Grau führen würde.
3. Koi 98, Nr. 1 von Cheng-Kee Chee
Watermedia-Gemälde wie Cheng-Kee Chees Koi 98, Nr. 1, werden als ausdrucksstarke, intuitive Abstraktion lebendig. Sie stecken voller Überraschungen und zufälliger Ereignisse, die das Malen von Nass zu Nass charakterisieren.
Farben mischen und folgen ihren eigenen Gesetzen, und die Farbe darf für sich selbst arbeiten. Anschließend geht der Malprozess in eine bewusstere und strukturiertere Phase über.
4. Lily Sleeping von Mary Whyte
Für das Bild Lily Sleeping war es Mary Whytes Ziel, nicht nur die Lichtqualität auf dem Gesicht ihres Motivs wiederherzustellen, sondern auch das Gefühl von Wärme und Sicherheit sowie das Aussehen und Gefühl des Kindertraums einzufangen.
"Um das Muster der Steppdecke vorzuschlagen, legte ich Waschmittel nieder und tupfte sie an einigen Stellen mit gefalteter Plastikfolie ab", erklärt Whyte. „Um einen jenseitigen, traumhaften Effekt zu erzielen, habe ich sowohl Garnstücke als auch Papiertuchstücke, die ich in blattähnliche Formen geschnitten hatte, in den Hintergrund fallen lassen.“
5. The Wash von Milford Zornes
Linie ist nach Milford Zornes (1908-2008) das wichtigste grafische Element eines Gemäldes, gefolgt von Wert und Farbe. Beim Malen verfolgte er mental den Verlauf einer Linie auf vier Arten: horizontal, vertikal, eckig und gekrümmt.
"Wenn ich einen Baum male", sagte Zornes. „Ich denke mir, ‚ OK, gehe für den ersten Koffer senkrecht aus dem Boden. Halt. Biegen Sie in die Zweige. Halt. Für die kleineren Äste schräg ausstoßen. Halt.'"
6. Zartheit von José Apaza
Die dunklen Werte in José Apazas Tenuousness, einem in Peru geborenen mexikanischen Künstler, spiegeln den meditativen Zustand der Figur wider. "Jeder Mensch ist eine Zusammenfassung der universellen Weisheit", stellt er fest. „Bescheidene Menschen sind meine größten Lehrer und haben mich stark beeinflusst.“
7. Camara de Lobos, Madeira, Portugal von Eugen Chisnicean
Der moldauische Künstler Eugen Chisnicean malte Camara de Lobos, Madeira, Portugal, auf einer Insel im Atlantik, Madeira genannt.
"Es war eine so andere Welt, wie ich sie noch nie erlebt hatte", erinnert sich Chisnicean. „Die Szene hatte alles, was ich zum Malen brauchte: Berge, Häuser, Boote, Menschen. Ich habe versucht, alle Elemente auf natürliche Weise zu kombinieren und Harmonie zwischen den Formen herzustellen. “
8. Tapisserie von Paul Jackson
Während er auf der Aussichtsplattform des Empire State Building stand, machte Paul Jackson Referenzfotos für sein großes Gemälde Tapestry.
"Die Fotos wurden in der Abenddämmerung aufgenommen, aber ich konnte alle Gebäude im Auge behalten", sagt Jackson. „Das ist kein fotografischer Realismus. Alles ist auf diesem Gemälde zu sehen - all meine Gefühle und Erinnerungen an New York City. “
9. Blaslied von Joseph Raffael
Das Thema von Joseph Raffaels Windlied ist sein Garten. Für den Künstler ist dieser Garten eine ständige Inspirationsquelle.
10. Foxy Lady II von Frederick C. Graff
Der Künstler Frederick C. Graff ist der Ansicht, dass es für seine Kunst entscheidend ist, nicht nur Fakten aufzuzeichnen, sondern das, was er sieht, „uneingeschränkt und doch halbkontrolliert“zu vermitteln.
„In Foxy Lady II zum Beispiel suggeriert die komplexe Anordnung von Flugzeugen im Vordergrund die Utensilien einer Bootswerft, ohne sie wirklich detailliert zu beschreiben“, bemerkt Graff. "Ebenso wirken die bläulich-grünen Massen im Hintergrund wie ein Pinienwald."
11. Grüner Punkt-Krug mit Sonnenblumen / Maine durch Carolyn Brady
Das auffällige Stillleben Green Dot Jug With Sunflowers / Maine von Carolyn Brady zeigt, warum der virtuose Kolorist als Meister des zeitgenössischen amerikanischen Realismus gilt.
12. Equilibrium von Denny Bond
Denny Bond schuf das Gleichgewicht beim Essen in Jamestown, Rhode Island. "Ich fühlte mich ursprünglich von dem Licht angezogen, das auf die blaugrünen Wände trifft", erklärt Bond. "Also drängte ich meine Frau, ins Licht zu treten, aber dennoch Raum für mich zu lassen, um das Reiterbild an der Wand zu sehen."
Er fährt fort: „Die Geschichte hat sich selbst geschaffen. Alle Elemente waren da. Sie mussten nur zusammengebracht werden. “
13. Stars and Stripes von Judi Betts
In dieser weichen und poetischen Darstellung verwendet Judi Betts die Vorwahlen und ihre Ergänzungen. Sie nutzt eine Vielzahl von Formen, Größen und Werten aus und kreiert im Hintergrund ihres floralen Gemäldes Stars and Stripes liebevolle neutrale Farben.
„Farben können Schlaflieder oder Symphonien sein, aber was sie in beiden Fällen zum Singen bringt, ist die Position der Komplementärfarben“, sagt Betts. „Farben, die von ihren Ergänzungen umgeben sind, verursachen eine Explosion. Es kann subtil oder monumental sein. “
14. Damp Morning von Dean Mitchell
Dean Mitchell gelingt es, die leise Poesie in den Motiven seiner Gemälde zu finden, die sonst möglicherweise übersehen werden, wie beispielsweise in den in Damp Morning gezeigten Down-at-Heel-Häusern. Der offene Raum in der Mitte der Komposition bildet einen Ort, an dem sich das Auge ausruhen und meditieren kann.
15. The Mall von John Salminen
Für diese schneebedeckte Komposition verwendete John Salminen eine Gruppe von Passanten, um einen Sinn für Skalierung zu schaffen. "Das kalte Wintersonnenlicht drang durch ein Labyrinth frostbedeckter Äste", sagt er, "und verleiht der Szene in der Mall eine eisige Leuchtkraft."
16. Mädchen bei einem Date von Dongfeng Li
Als Professor für Kunst an der Morehead State University malt Dongfeng Li eine Vielzahl von Themen, darunter Menschen unterschiedlichen Alters und mit unterschiedlichem Hintergrund, wie die jungen Frauen in Girls on a Date. In jedem Fall gelingt es dem Künstler, die Menschlichkeit, Anmut und Würde seines Subjekts einzufangen.
"Ihre unterschiedlichen Hintergründe können interessante Zusammenhänge schaffen", sagt Li. „Ich bin neugierig auf diese Unterschiede. Das ist eine meiner Hauptmotive bei der Gestaltung meiner Arbeit. “
17. Winter Road von Ian Ramsey
Das weiße Papier oder der Schnee wurde zur Plattform von Ian Ramseys Gemälde Winter Road, einer Szene im Süden von Wyoming.
Winterkompositionen hängen stark vom negativen Raum ab, den der Schnee bietet. Die dunkleren Elemente der Grasbänke, Spurrillen und Hügel im Hintergrund lenken den Blick die Straße hinunter zu den Wirtschaftsgebäuden.
18. Mission District, Riverside von Frank Francese
"Es gibt ein wenig Magie in Mission District, Riverside", sagt Frank Francese. „Das passiert mir nicht die ganze Zeit. Es passiert mehr, wenn ich mich einfach gehen lasse und meinem Urteil und meinem Herzen vertraue. “
Der Künstler wählt Farbe eher aufgrund seiner emotionalen Reaktion als aufgrund dessen, was er tatsächlich sieht. "In der Tat", bemerkt Francese, "arbeite ich normalerweise nach einer schnellen Schwarz-Weiß-Filzfeldskizze. Dann mache ich mir beim Malen einfach meine eigenen Farben. “
19. In Shine Mirror von George James
Nach dem Tod seines Vaters malte George James (1932-2016) In Shine Mirror, um ihn auf einem Porträt in Erinnerung zu rufen. "Anstatt eine exakte Ähnlichkeit herzustellen, habe ich versucht, sein Wesen einzufangen, indem ich das Gesicht weggelassen habe", erklärte James. "Ich habe Spiegel benutzt, um Spiritualität und Reflexion zu implizieren."
20. Michelle von Scott Burdick
Die Idee für Scott Burdicks Gemälde, Michelle, kam, bevor er sich überhaupt mit seinem Thema beschäftigt hatte.
"Diese Vision, die ich von diesem Gemälde hatte, war so klar", erinnert sich Burdick. „Ich habe sogar vor der Fotosession eine Skizze davon angefertigt, um Michelle zu helfen, die Stimmung zu verstehen, nach der ich gesucht habe - der Bruchteil einer Sekunde, in der die Erwartungen gestiegen sind, als jemand einen Raum betrat. Der Rest bleibt der Fantasie des Betrachters überlassen. “
21. Fischer, Myrtle Beach, SC von Serge Hollenbach
In Serge Hollenbachs Aquarell „Fishermen, Myrtle Beach, SC“sind fünf Fischer wertmäßig mit den Latten des Pierzauns verbunden - ein Ausgleich zwischen der Vertikalen und einem starken Querformat.
22. Bezaubernde Zweige, Hinterwälder V von Christine Cozic
Als Teil einer Achterserie war dieses Aquarell ein Aufbruch für Christine Cozic, als sie 2006 mit dem Stück begann. „Ich hatte Botanicals gemacht, aber es waren eher tropische Blumen“, bemerkt Cozic.
Die tägliche Fahrt von 45 Minuten zur Schule ihrer Tochter in Nord-Louisiana führte die Künstlerin in „all diese wunderschönen Farben auf den Bäumen“ein.
23. Fjord Dal von Stanislaw Zoladz
Die schneebedeckten Berggipfel und die weißen Schneefälle im Vordergrund tragen zu einer ausgewogenen Formensprache in Fjord Dal, dem Gemälde des in Polen geborenen schwedischen Malers Stanislaw Zoladz bei.
„Im April und Mai, nach einem langen Winter, kommt das Licht mit Kraft nach Norwegen zurück“, sagt Zoladz.
24. Urchfront Flowers von Charles Reid
Der Künstler Charles Reid glaubt, dass die Anfänge der Malerei wichtiger sind als die Endbearbeitung. „Manchmal ist man so sehr daran interessiert, eine Blume genau zu malen, dass man eng und buchstäblich wird“, erklärt er. „Der Trick besteht darin, dass Sie Ihre Farbe und ein wenig Wasser für Sie malen lassen.“
25. Der rote Pullover von Jean Pederson
Der gekonnte Einsatz von Schatten und Lichtern in Jean Pedersons The Red Sweater trägt nicht nur dazu bei, ein starkes Gemälde zu schaffen, sondern schafft auch ein Gefühl der Stärke innerhalb des Motivs.
"Obwohl dieser junge Mann in Kanada ein neues Leben beginnt, hat er seine Identität als Ugander nicht aufgegeben", sagt Pederson. "Für viele Einwanderer geht mit der Hoffnung auch eine Melancholie einher - ein Gefühl, das ich in The Red Sweater zu vermitteln versuchte."
